跳出保护怪圈，生长思维引资本入局，非遗要迎来新机了吗？

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文丨强

编辑丨烨烨

非遗现在挺火，但火得有点虚。

博物馆里的展陈、节日里的展演，看着热闹非凡，可背后的传承人和项目，不少都在咬牙坚持。

非遗不是缺文化内涵，而是缺能让它活下去、长起来的经济逻辑。

蜀锦工坊想扩大规模，银行贷款却卡了壳。

不是手艺不好，而是非遗项目周期长，现金流慢，没什么拿得出手的抵押物。

社会资本对这类文化资产的估值逻辑摸不清，自然不敢轻易投入。

这就是非遗面临的资金难题，看着挺现实。

资金难题还没破解，传承的问题又接踵而至。

本来想非遗只要有人愿意学，就能传下去，但后来发现，城市化让年轻人有了更多选择。

拜师学艺周期长、收入不稳定，比起坐办公室拿固定工资，愿意沉下心来的年轻人越来越少。

不少老艺人守着一身绝活，却找不到合适的徒弟，这手艺总不能带进棺材里吧。

渠道方面的困境也很明显，很多非遗还停留在“看看就好”的层面，看完展演、逛完展会，就没了后续。

没有能让人反复消费的场景，没有复购的链路，非遗就成了一次性的文化体验。

更麻烦的是制度层面，非遗的版权归谁、跨界合作怎么分成、授权流程怎么走，这些都没有统一的标准。

一旦出现纠纷，解决起来又费时间又费钱，很多潜在合作就这样黄了。

这四道坎叠在一起，非遗就陷入了“内容好但活不好”的尴尬。

传承人赚不到稳定收入，年轻人看不到职业前景，资本不敢轻易入局，如此看来，非遗要持续发展，光靠保护可不够。

破解难题的关键，其实是把“保护思维”换成“生长思维”。

非遗不能只躺在博物馆里，得走进生活、闯进市场。

苗族银饰的匠人就很聪明，他们不再只做传统首饰，而是和设计师合作，把银饰元素做成现代配饰、家居摆件。

这些二次创作的产品，既保留了老手艺的精髓，又符合当下的审美，自然受欢迎。

二次创作只是第一步，怎么让创作者拿到该有的收益才是关键。

非遗的工艺、符号都是宝贵的知识产权，得建立一套明确的确权、授权、分润机制。

有个非遗IP版权登记平台就做得不错，传承社群集体确权，后续有人使用这些元素，收益就能按规则分到传承人手里。

这样一来，大家才有动力持续创新。

光靠单个项目单打独斗不行，还得有平台化运营。

现在有不少非遗IP授权平台，一边连着传承人，一边对接影视、品牌、文旅机构。

“一带一路”沿线的文化机构也在互相认可，非遗产品跨境交易越来越方便。

之前看到一个中欧非遗授权的案例，中国的蜡染工艺被用到欧洲的服装品牌上，双方互利共赢，这才是可持续的玩法。

更有意思的是“文化共创”的模式，政府搭台，基金会托底，明星、设计师、品牌方和传承人一起组队。

导演在影视剧中加入非遗元素，设计师用非遗工艺做时尚单品，基金会负责认证版权，商业团队负责销售。

传承人不再是被动的“被拍摄对象”，而是项目的共同作者，能拿到“文化股权”。

项目赚钱了，他们就能分润，这样的合作才长久。

国际上的一些经验也值得借鉴。

欧洲把传统工艺纳入高等设计教育，学生在学校就能接触到手艺，毕业后直接对接企业。

我们也有美院设立了非遗设计实验室，用现代材料学、符号学解读传统工艺，效果不错。

城市里的“非遗周末市集”也很火，大家逛着街就能体验非遗、购买产品，非遗就这样融入了日常。

当然，闯市场也不能丢了本。

平台得设立伦理红线，避免非遗元素被滥用、过度商业化。

同时，政府和基金会可以设立专项基金，推出文化保险，帮非遗项目应对演出取消、物流波动这些风险。

金融机构也能创新产品，比如用知识产权质押贷款，缓解非遗项目的现金流压力。

非遗的未来，不是靠别人捐款扶持，而是靠自己形成经济生态。

当非遗既能保住文化灵魂，又能创造经济价值，当传承人能体面赚钱，年轻人愿意投身其中，当资本能看到清晰的回报，非遗就能真正活起来、长起来。

非遗从来不是过时的古董，而是能持续创造价值的文化资产，它的未来，值得期待。

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